Eventos y Lugares de Roma

Otolith Group es un duo de artistas que residen en Londres y que, desde el año 2000, está trabajando sobre el cruce entre imaginación y mundo tangible, entre ficcionalización de la realidad y realización de la ficción. Los integrantes, Anjalika Sagar y Kodwo Eshun, eligieron este importante enfoque conceptual porque, según aseveran, en el mundo de hoy falta la imagina­ción, la capacidad de contar historias, y que esta carencia es una de las razones principales que impiden elaborar posibilidades alternativas al orden que nos rodea, y que es cada vez más percibido como equivocado, desequilibrado.

Justamente el equilibrio es uno de los aspectos que están en la base del proyecto: Otolith Group toma su nombre de los “otolitos”, que serían cristales que se encuentran en el sistema vestibular de muchos organismos y que le permiten percatarse de las aceleraciones, del peso y de la dirección de la gravedad. Los otolitos son extremamente importantes para la orientación del ser humano en un espacio de gravedad como el de la Tierra.

Uno de los estudios más interesantes realizados por este colectivo es el de la “microgravedad”. Anjalika y Kodwo imaginaron las consecuencias de una entera generación de seres humanos nacidos en condiciones de microgravedad (que es lo más parecido que se pueda lograr a la ausencia de gravedad, que no existe en el espacio universal). Se trata, es evidente, de pretextos para una reflexión metafórica sobre el mundo actual, y sus planteamientos ponen casi siempre mucha atención en la situación política internacional (a la que ambos son muy sensibles.)

En esta muestra retrospectiva, que fue presentada anteriormente en el museo Macba de Barcelona, se podrá visionar la mayor parte de la producción artística de Otolith Group, que se realiza principalmente mediante soporte video. También se encuentran dibujos, comics, y un proyecto de curaduría que intenta reconstruir la “Grecia imaginaria”, sosteniendo que la cultura fundacional de Occidente es, en gran parte, una invención.

Uno de los videos más interesantes en el ámbito del trabajo sobre la ficción y la realidad es “Hydra Decapita”. Aquí, el duo postula la posibilidad de una nueva raza humana nacida bajo el oceano de los esclavos que han muerto en sus aguas durante las travesías. Todo el video juega sobre la ambigüedad visual entre el juego de luz que el agua crea al sustraerle los matices intermedios (dejándo solo un movimiento de blancos y negros) y un posible alfabeto mediante el cual se comunicarían los habitantes del oceano.

Se pueden encontrar más informaciones en la página oficial http://www.otolithgroup.org/

El subtítulo de la muestra “La forma del pensamiento” hace referencia a un libro publicado en 1901, de Charles W. Leadbeater y de la feminista, socialista y activista Annie Wood Besant. En este texto, los autores reflexionan sobre la naturaleza y el poder del pensamiento.

La muestra abrirá sus puertas el 7 de Octubre y se podrá visitar hasta el 5 de Febrero en el museo MAXXI de Roma (situado en Calle Guido Reni, 4 A).

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Si no conocéis este original (y un poco delirante) proyecto, os recomendamos que alquiléis apartamentos en Roma y aprovechéis para conocer el ferviente mundo artístico y cultural de la capital de Italia.

Contáctame 

Hasta el 29 de enero de 2012 el Museo de Arte Contemporáneo MAXXI de Roma exhibe la muestra Indian Highway, una reseña colectiva e itinerante que nos muestra la escena del arte contemporáneo de la India. La muestra es curatoriada por Julia Ferracci, directora de arte del MAXXI, Hans Ulrich Obrist, Gunnar B. Kvaran y Julia Peyton-Jones.

El Museo MAXXI realiza la primera muestra en Italia sobre el panorama del arte actual de la India, entendiendo que hoy es una zona que vive importantes transformaciones económicas y sociales que se ven reflejadas en la representación estética. Para llevar a cabo esta interesante exposición el Museo contó con la colaboración con el Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley de Oslo, Noruega y la Galería Serpentine de Londres.

Hoy el arte de la India irrumpe en la escena mundial y es considerado como uno de los más interesantes de los países emergentes, al menos así lo han calificado los críticos, que ven en él una nueva tendencia que recibe impulso de los grandes cambios que este país vive. Sin embargo, de esas grandes transformaciones que se observan desde la crisis del modelo que vive  occidente, pocos hablan de los millones de seres humanos que viven en el submundo de la miseria. Por eso resulta interesante la mirada de los artistas contemporáneos dan a esta parte invisible del éxito económico de la India.

El recorrido de esta muestra establece una secuencia interesante que nos lleva a las polisemias culturales entre los diversos artistas escogidos para esta reseña, donde los significados y alusiones generan un espacio de reflexión en el espectador.

La dialéctica entre la modernidad y la tradición, propia de los momentos de transformaciones y modernización, es algo que el arte recoge con maravillosa sensibilidad, sobre todo cuando esta se ve reflejada en diferentes corrientes y estilos. Al no estar tan marcada la nueva generación de artistas por laherencia post colonial, manifiestan de manera más relajada su aceptación al arte de occidente, apropiándose de la condición postmedial que el arte contemporáneo ha validado.

Uno de los artistas que estará presente en esta muestra y que representa a esta nueva generación en la escena artística de la India, es Jitish Kallat, nacido en 1974 en Munbai. Su obra ha recorrido el mundo y tiene como concepto el grito del desencanto de unas transformaciones culturales que han roto el encanto de la sociedad y los valores heredados por grandes luchadores sociales como Gandhi. Sus obra esta producida en grandes formatos y usa diversos soportes como pinturas, esculturas e instalaciones.

Como muchos dicen, el arte es producto de su tiempo, y efectivamente esta exposición así lo demuestra. De allí que resulte interesante ver diferentes expresiones de arte conceptual minimalista que nos habla de una nueva India, donde el componente post colonial parece haber desaparecido del horizonte.

Para más información http://www.fondazionemaxxi.it/

Nancy Guzman

Un gran aporte al conocimiento de la cultura contemporánea de la india es Indian Highway, que nos invita a transitar por una sociedad de contradicciones, así que si tienes programado alquilar unos días en apartamentos en Roma ven a darte un baño de cultura en el Museo MAXXI.

Contáctame 

Con la muestra “Indian Highway” se abre un ciclo de reflexión acerca de la intensa producción artística de uno de los países más extensos de Asia, y cuya cultura ha fuertemente influenciado la sensibilidad occidental en las últimas décadas: la India.

La muestra presenta un itinerario colectivo que, mediante una vasta selección de obras de soportes variados, presenta el panorama multiforme de la escena artística de India. Así, en la primera muestra que un museo italiano dedica a la India, se ofrece la oportunidad de acercarse a la cultura del país mediante su investigación visual y artística. La intención de la muestra, además, es la de reflejar el desarrollo económico, social y cultural de los últimos veinte años que, desde los 90, ha llevado India a ser reconocida como un lugar de centralidad global también en el mundo del arte.
Con la decisión de insertar a las autopistas en el título de la exposición se alude claramente a uno de aquellos “flujos” analizados por el antropólogo indiano Appadurai, es decir a la traslación masiva desde los campos y las periferias hasta las ciudades, cada vez más pobladas, y a la fuerte interconexión lograda por tierra entre una zona y la otra del gigantesco país.
Entre los curadores se encuentran Julia Peyton-Jones, Gunnar B.Kvaran y el célebre comisario y crítico suizo Hans Ulrich Obrist, que actualmente es co-director de exhibiciones y director de proyectos internacionales en la Serpentine Gallery de Londres. Su trabajo se hizo muy conocido gracias al vasto proyecto “Interview Project” en el que conversa con diferentes personalidades del mundo del arte con la idea de reconstruir un camino o un panorama en este momento en que los confines entre lo que es arte y lo que no lo es pareces haberse desdibujado por completo. La idea de este proyecto se le ocurrió cuando, todavía estudiante, leyó dos conversaciones que cambiaron su vida e hicieron que se dedicara por completo al arte: una de Francis Bacon con David Sylvester y la otra de Marcel Duchamp con Pierre Cabanne. Hasta el día de hoy cuenta con más de 2000 horas de entrevistas, y se refiere a su archivo como a una “conversación sinfín”. Estas conversaciones, que se publicaron en la revista Artforum a partir del 1996, cuentan con 69 entre artistas, arquitectos, escritores, directores, científicos, músicos y filósofos.
Ulrich Obrist, fascinado por la india, propone hoy “Indian Highway” como momento para reflexionar sobre el arte a partir de la observación del desarrollo de un país.

La exhibición abrirá sus puertas el miércoles 21 de Septiembre a las 19hs y se podrá visitar hasta el 29 de Enero de 2012 en los días martes, miércoles, viernes y domingo de 11 a 19hs, y los jueves y sábados de 11 a 22hs. La entrada con tarifa plena es de 11 euros, 8 euros con tarifa reducida (para niños, jubilados y estudiantes que acrediten su condición).

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Si os interesa el arte, os recomendamos que alquiléis apartamentos en Roma y vengáis a disfrutar de una estadía en la hermosa capital de Italia, aprovechando para conocer el panorama artístico de la India.

Contáctame 

El museo MAXXI, principal referencia para el arte contemporáneo en Roma, propone la muestra retrospectiva de uno de los artistas italianos más reconocidos en el entorno internacional: Michelangelo Pistoletto.

La exposición, que cuenta con más de 100 obras procedentes de colecciones públicas y privadas entre Italia y Estados Unidos, cuenta el desarrollo profesional de Pistoletto desde el 1956 hasta el 1974, en una retrospectiva que promete definir la personalidad y sensibilidad de uno de los artistas fundadores del celebre movimiento italiano denominado “Arte Povera”.

Este movimiento, que se dio a conocer a finales de los ’60, consistía en una precisa crítica a la comercialización del objeto artístico, y se esforzaba por huir del mercado utilizando materiales considerados pobres (como maderas, hojas secas, cristales, vegetales, carbón y arcilla) y por exigir la intromisión del público. La idea, todavía muy fuerte en Pistoletto, era la de generar una fuerte reflexión sobre el arte y su significado a través de la observación de materiales manipulados y de fácil obtención.

Michelangelo Pistoletto nació en Biella en el 1933. Hizo sus primeras experiencias artísticas a los 14 años, trabajando con el padre a la restauración de obras y luego como aprendiz de Armando Testa, celebre fundador de la más conocida escuela de gráfica de aquella época. En el 1950, Pistoletto empezó a exponer en muestras colectivas. Tuvo su primera individual en la Galleria Galatea de Turín, en 1960. En el 2003 ganó el “Leone d’Oro” en la Bienal de Venecia para su carrera artística y la Universidad de Turín le confirió una licenciatura honoris causa en Ciencias Políticas. Actualmente es director artístico de “Evento”, un festival de creación urbana que tiene lugar en Bourdeaux.

La muestra “Da uno a Molti”, que permanecera en el MAXXI hasta el 15 de Agosto, explora el recorrido artístico del Maestro desde su rigurosa investigación sobre sí mismo y la representación de su identidad hasta las más recientes colaboraciones artísticas con otros grandes del arte. Las obras se encuentran distribuidas en tres grupos principales: en un espacio se encuentran las superficies reflejantes y los plexiglass; en otra sala se encuentran los “Oggetti in meno” (en español: Objetos de menos) y los “Stracci” (Trapos), además de la serie “Luz y reflejos”. Un espacio a parte está reservado para las acciones y las performances de los artistas del grupo teatral Lo Zoo, y hospeda objetos y registros video de las obras.

La muestra quiere reconstruir de manera completa el trabajo de un artista italiano en el difícil contexto de las transformaciones que modificaron el país en el segundo postguerra, explorando sus relaciones con movimientos artísticos como la Pop Art, el Minimalismo, el Conceptualismo y, en particular modo, subrayando el aspecto colaborativo y relacional de la obra de Pistoletto a partir de la segunda mitad de los años ’50. Para más informaciones podéis visitar la web www.fondazionemaxxi.it

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Si os apasiona el arte y queréis aprovechar de esta interesante muestra en el MAXXI, no os perdáis la oportunidad de alquilar apartamentos en Roma y disfrutar de una estadía cultural en la capital italiana.

Contáctame 

El 4 de marzo se abre la exposición “Michelangelo Pistoletto: de uno a muchos, 1956-1974” en el MAXXI, en colaboración con el Museo de Arte de Filadelfia. La muestra, que durará hasta el 15 de agosto de 2011, contará con más de 100 obras de Pistoletto procedentes de colecciones privadas americanas y europeas.

Michelangelo Pistoletto, hijo de un restaurador de cuadros, nació en Biella, Italia, en 1933. Su desarrollo en el movimiento artístico de Turín de la post guerra influirá en su mirada crítica al desarrollo industrial de una sociedad inmersa en las desigualdades y marcará de sentido político a  su obra.

Si bien en sus inicios se acerca al Pop-Art, rápidamente se vincula al Arte Povera y al crítico de arte Germano Celant, quien se encargará de dar el contenido teórico este movimiento de finales de los sesenta, cuyos representantes rechazan el concepto del arte como mercadería y trabajan con materiales pobres, de fácil obtención y, por lo tanto, carentes de valor. Su intención era provocar una reflexión en el espectador obligándolo a ocupar el espacio en la obra, con el fin de involucrarlo en la crítica socio política.

Su primera etapa de denuncia se incluye en la serie “Objetos de menos”, que aluden a problemas de la realidad a través de objetos de formas puras, minimalistas, realizados con materiales pobres rechazando la dictadura comercial del arte. En estos objetos hay una liberación de ideas y conceptos comprometidos que rechazan el individualismo del artista, vinculándolo con los sueños revolucionarios socialista de los 60.

Su despegue del Arte Povera, lo lleva a buscar nuevas formas expresivas que transformen al lenguaje estereotipado, vacíos de contenidos que sólo sirven para mantener los convencionalismos sociales. Experimentando nuevos soportes, como espejos y hojas de acero pulido, desarrolla obras que incluyen el concepto de espacio ilusorio, donde aparece el cuadro dentro del cuadro.

Destacable es su obra “Pozos”, instalación que sitúa espejos poligonales enmarcados sobre el suelo, para que reflejen todo lo que está sobre ellos, desde el techo hasta los espectadores. En la obra Pistoletto provoca al público a enfrentarse con los miedos atávicos de asomarse a un pozo lleno de agua que amenaza con su oscuridad.

Su desafío al espectador a involucrarse activamente en la obra lo materializa en la “Venus” de los “Trapos”, instalación que reune ropa vieja, sucia, amontonada frente a una copia de la estatua de Venus, que da la espalda al espectador y que incita a preguntarse si los fragmentos de basura y trapos no son más que la expresión decadente de una sociedad ante la belleza.

El 2003 fue premiado con el León de Oro en la Bienal de Venecia por su recorrido artístico y presentó la obra “Love Difference” –Movimiento Artístico para una Política Intermediterránea- proyecto que nació el 2002 en Cittadellarte, y que es una gran mesa que refleja la cuenca mediterránea, en torno a la cual se desarrollaron muchas actividades después del Amor y la Diferencia.

Para más información http://www.fondazionemaxxi.it/en/mostre_future_pistoletto.aspx

Nancy Guzman

Michelangelo Pistoletto es un artista que no deja indiferente al espectador. Su obra representa el pensamiento vanguardista de una época que trasciende a todas las épocas. Para darse un gusto y alimentar el alma venga al MAXXI si está en Roma y deje que Pistolleto provoque sus emociones. Para otras provocaciones más mundanas, en apartamentos en Roma encontrará el sitio ideal.

Contáctame 

Hasta el 2 de noviembre será exhibida en el MAXXI la exposición El Borde de Fuga, compuesta por una selección de obras pertenecientes a la colección de permanente del museo, que será el escenario ideal para una discusión sobre el arte italiano de los últimos treinta años.

La muestra enmarcada en la presentación del libro Il confine evanescente, que  recoge la obra de artistas contemporáneos italianos desde los años 60 hasta el presente, será el motivo para realizar un examen en profundidad a la colección de arte contemporáneo del MAXXI. Tanto el libro, como la exposición, buscan generar una reflexión que conduzca a reconocer una identidad coherente en la pluralidad del arte contemporáneo italiano. Gabriela Guercio y Anna Mattirolo, autoras del libro y comisarias de la exposición, han señalado que el objetivo de la exposición es poner de relieve la “frontera de fuga” que separa al arte italiano de las últimas décadas.

La exposición está organizada con una selección de obras de Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Incola De Maria y Minmmo Paladino, Faveretto, Airó Mario, Vezzoli Francesco, Tesi Alexandra, Marisaldi Eva, Manzelli Margherita y Alessandro Pessoli.

Sandro Chia, nacido en Florencia en 1946, es un miembro destacado del movimiento italiano de la Transvanguardia, junto a Mimmo Paladino, Incola De María y Enzo Cucchi. El término transvanguardismo fue acuñado en 1979 por el crítico de arte italiano Achille Bonito Oliva, identificando con él a un grupo de artístas que surgía con nuevas referencias estéticas y rechazaba al Arte Povere, que había reunido a la vanguardia de la post guerra hasta los 80. Los transvanguardistas teorizaban sobre el fin de una etapa oscura del arte conceptual que daba paso a la alegría de los colores. La caracterización de sus obras está dada por los grandes formatos, el fuerte colorido y la utilización de todo tipo de técnicas para realizar obras figurativas. A diferencia de la vanguardia, el transvanguardismo destaca por su individualismo, no pretende influir en la sociedad, ni provocar transformaciones en el arte.

En el otro extremo del arte italiano está Vezzoli Francesco. Artista conceptual que desafía al consumo y la banalidad con sus íconos que exhibe en Avaricia, un embase de perfume que no existe y que transforma permanentemente agregando fotografías de personajes a la botella. De la misma obra realiza un anuncio publicitario dirigido por Roman Polanski, con la participación de Natalie Portman y Michelle Williams, donde ambas mujeres luchan por comprar un frasco de Avaricia, ridiculizando los comportamientos irracionales frente al consumo. La obra está inspirada en Belle Haleine: Eau de Violette de Marcel Duchamp, sustituyendo el retrato de Duchamp por su propio retrato. Su última creación fue la realización del arte-espectáculo con la cantante Lady Gaga en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.

Para más información http://www.fondazionemaxxi.it/en/schede/confine-evanescente-book

Nancy Guzman

Si le interesa conocer como ha evolucionado el arte contemporáneo en Italia y sus tendencias, nada mejor que asistir a la exposición El Borde de Fuga en el MAXXI y comprar el libro Il confine evanescente para leer placidamente en apartamentos en Roma

Contáctame 

Gino de Dominicis era un artista italiano obsesionado con inmortalidad y lo invisible, con aquello, así parece, capaz de trascender lo terrenal y lo humano. Así mismo, él se convirtió en un artista invisible, cuya presencia sólo se manifestaba en su obra, en el aquí y el ahora. Siempre ausente, evitaba a la prensa a toda costa y se negaba dar la autorización a que su obra se reproduzca en fotografías, por lo cual hasta el presente, es difícil encontrar material fotográfico de su trabajo.

Su obsesión con lo etéreo y metafísico llegaba al extremo que en sus exposiciones hasta su obra se preservaba el derecho de mantener su anonimato, de manera que en general no llevaba ni título, ni otro tipo de datos que le ayudarían al espectador, aunque sea mínimamente, a clasificarla y encasillarla. De Dominicis, y su arte, hasta hoy en día, por ende, están envueltos de un increíble misterio. Su obra abarca distintos medios y técnicas; trabajos sobre madera, papel, lienzo, escultura e instalación forman parte de su amplio lenguaje artístico, al igual que una notable fascinación por la figura humana, haciendo referencia a líderes épicos como Gilgamesh, el rey Sumeriano que buscaba la inmortalidad, o Urvashi, la diosa hindú de la belleza.

De Dominicis, lamentablemente, nunca pudo vencer su propia mortalidad. Falleció prematuramente en 1998, dejando un fantástico e inspirador legado, una obra tímida, pero fuerte, un imaginario que rinde tributo a lo bello, lo esotérico, y aquel secreto mundo más allá de lo palpable.

Con “The Immortal” el MAXXI en Roma presenta la primera y más exhaustiva retrospectiva de este original artífice, que estará abierta al público hasta el 7 de noviembre. A modo de 130 obras recorremos su rico legado que indaga apasionadamente sobre la inmortalidad, la metamorfosis y la evolución, lo invisible, lo anti natural, y aquel mágico tiempo suspendido entre el pasado y el futuro.

Alquila apartamentos en Roma, y déjate llevar por el gran misterio de éste fascinante artista.

Kutlug Ataman es un cineasta y artista turco, cuyo trabajo trasciende magistralmente el límite entre la realidad y la ficción. En sus vídeos explora la fragilidad de la identidad personal, por lo cual el artista se interesa especialmente por aquellos individuos que están al margen de categorías sociales convencionales y firmes. Lo que a Ataman realmente le llama la atención son, por ende, los outsiders, aquellos que ya no tienen mucho que perder, y por eso mucho por ganar. De esta manera, el artífice tiene la absoluta certeza de que la identidad no es algo firmemente arraigado en el individuo, si no, un disfraz más que llevamos día a día.

Y es ahí donde el trabajo de Ataman cobra una fascinante fuerza y profundidad. Si la identidad es cuestionada como categoría firme, como base primaria de todo lo que constituye nuestra realidad, nuestra vida misma se vuelve una compleja textura entre memoria real e imaginación, entre hechos y fantasías. En su obra, Ataman despliega, por consecuencia, esas evidentes intersecciones entre esos dos términos, diluyendo, finalmente, la frontera entre la realidad y la ficción.

Hasta el 12 de septiembre el MAXXI en Roma acoge una de sus más recientes y ambiciosas obras, una videoinstalación titulada “Mesopotamian Dramaturgies”, en la cual, Ataman, nuevamente, retoma la temática de la construcción de la identidad, sin perder de vista la dimensión social de la misma. Así, esta vez, Ataman regresó a Turquía, como punto intermedio entre el este y el oeste, en donde se evidencia esa contradicción entre ambos mundos, y la frágil identidad colectiva que ese choque genera. Otra vez más sus protagonistas son aquellas figuras marginadas, que están al borde de las identidades culturales y sociales.

Alquila apartamentos en Roma y asegúrate de pasar por esta fantástica exposición en el MAXXI.